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Portela, patrão; Mário, motorista

No elenco Daves Otani e Eduardo Osorio, inspirados em Brecht, Chaplin, entre outras referências, fazem uma reflexão sobre a relação patrão e empregado. Uma criação própria sobre dois homens que se encontram, os personagens título, um patrão – que sóbrio é um crápula e embriagado é um camarada – e seu motorista, um aproveitador das situações que luta para manter seu emprego.  Entre bonecos em tamanho humano, procurando traduzir o silêncio dos comandados, os atores se alternam nas personagens e brincam com a possibilidade de todos serem patrões e todos serem empregados. Influenciada pelas gravuras “Os Caprichos”, de Goya, a peça tem um visual soturno e um humor sarcástico, que procura traduzir a crueldade do mundo contemporâneo e suas relações com o poder do capital. A improvisação é o recurso principal desse trabalho, colocando o ator no centro da criação cênica.

O espetáculo foi contemplado pelo FICC – Fundo de Incentivos Culturais de Campinas no ano de 2009 e desde então se apresentou na programação do Festival do Instituto de Artes da Unicamp – FEIA 2010, na Mostra de Referências de Suzano (SP) e realizou a temporada no Ponto de Cultura Boa Companhia e Companhia Sarau.

Em meio a bonecos que compõem o cenário da peça, inspirados nos personagens animalescos que habitam as gravuras “Os Caprichos”, de Goya, dois homens, de realidades sociais distintas, se encontram no final de uma noite, num boteco. Portela, patrão; Mário, motorista. Este é o ponto de partida para uma reflexão sobre as relações humanas pautadas pelo dinheiro e pelo poder que dele advém. Portela tem na bebida uma espécie de antídoto para o seu coração frio de patrão, que se humaniza quando está embriagado. Mário, por sua vez, se aproveita das “escapadas alcoólicas” de seu patrão para agradá-lo e garantir seu emprego de motorista, neste mundo que parece aceitar todas as mazelas humanas, oriundas de uma sociedade excludente. Mundo esse, que se organiza em torno das relações de trabalho e que se deixa embriagar pela espetacularização da vida, repetindo modelos e comportamentos, onde encontramos Portelas, Mários e bebedeiras por toda parte.

A ENCENAÇÃO E O TRABALHO DO ATOR

Em breve.

FICHA TÉCNICA

Criação e atuação: Daves Otani e Eduardo Osorio (atenção, sem acento).
Provocação cênica: Alexandre Caetano, Verônica Fabrini e Moacir Ferraz.
Iluminação: Marcelo Rodrigues/ Clermont Pithan.
Figurino e Cenário: Daves Otani e Eduardo Osorio.
Designer gráfico e fotos: Alexandre Caetano.
Confecção de Bonecos: Helô Cardoso, Caio Sanfelice e Marcos Laporte.
Supervisão de bonecos: Helô Cardoso.
Marceneiro: Marcos Laporte.
Técnico luz e som: Julia Cavalcanti Santos.
Realização: Associação Cultural Boa Companhia.

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Cartas do Paraíso

O Projeto “Cartas do Paraíso” está em processo de criação e execução, e dará origem a décima sexta montagem teatral da Boa Companhia. Contemplado pelo Prêmio Funarte de Teatro Myriam Muniz/2008, este projeto prevê palestras, debates e ensaios abertos ao público como procedimento de criação cênica, e dá prosseguimento à pesquisa de linguagem que a companhia desenvolve ao longo de sua trajetória, em que o processo de encenação parte do trabalho do ator e se nutre de elementos de outras artes cênicas como a dança, música, circo, e outras mídias como foto e vídeo.

Todo este trabalho é sustentado pelo ideal de alcançar um padrão diferenciado no fazer artístico, visa estabelecer um diálogo cada vez mais intenso com o público, estabelecendo um espaço de encontro onde se possa questionar o mundo em que vivemos, discutir nosso papel como atores da realidade que construímos, buscando assim ampliar a consciência de si e do mundo: tanto dos que fazem, quanto dos que assistem o teatro.

SINOPSE

Acima da Linha do Equador, homens desafiam o mar tenebroso em busca de novos caminhos, de nova terras, quem sabe, um Paraíso.

Abaixo da linha do Equador, outros homens dançam até seus corpos se tornarem leves e serem levados pelo vento, acima e além das grandes águas para alguma terra sem males, quem sabe, um Paraíso.

Na linha branca de areia, começo de um caminhar, pra beira de outro lugar, esses homens se encontram, devoram-se, transformam-se uns nos outros, amalgamados, mestiços, amedrontados e pasmos diante da morte.

A bordo das canoas com asas viajam um degredado, um padre, um jovem cartógrafo, um bufão. Na praia, os aguardam xamãs e guerreiros. na iminência de um apocalipse dois imaginários se encontram e se perguntam: alguém sabe onde fica o paraíso?

RELEASE

Com este mote, a Boa Companhia traz à cena a sexta montagem teatral, no décimo oitavo ano de sua história. Cartas do Paraíso tem como material dramatúrgico cartas escritas por jesuítas, exploradores e viajantes nos primeiros tempos nesta Terra de Santa Cruz, Pindorama ou mítica Hi-Brasil, nesta que foi a “primeira aventura globalizante da humanidade”.

A encenação de Cartas do Paraíso foi criada a partir dos relatos de jesuítas e viajantes no início da colonização.  A radical diferença entre as duas visões de mundo foi o ponto de partida para a criação de uma poética luso-tropicalista, pautada na mestiçagem, no encontro e no confronto de imaginários tão ricos: o do Portugal renascentista e mercantilista e a cultura indígena brasileira, sendo ela mesma extremamente múltipla.

Cartas do Paraíso dá prosseguimento à pesquisa de linguagem que a companhia vem desenvolvendo ao longo de sua trajetória, em que o processo de encenação parte do trabalho do ator e se nutre de elementos de outras artes cênicas como a dança, música e performance e agora buscando um diálogo maior com outras mídias áudio visuais. No entanto, é a construção do corpo cênico o elemento central de toda criação artística do grupo, e que neste novo espetáculo busca uma radicalidade ainda maior, desfazendo os limites do personagem e mergulhando na performance de estados e vibrações.

Nas primeiras cartas de jesuítas e viajantes a terra nova é comparável a um paraíso na Terra (quiçá o próprio paraíso), o que, no imaginário cristão, evoca tensões. Por um lado, a idéia de um além, de um depois do fim e antes do princípio, lugar mítico na terra governado por Deus e pelo bem, território sagrado de concretização da experiência material-transcedental da vida. Por outro lado, a imagem de paraíso carrega tanto a idéia de redenção, paz e equilíbrio quanto a idéia do pecado, da queda representada nas figuras de Eva, a serpente e o fruto do conhecimento. Poderia “paraíso” ter para nós um significado atual? Qual seria o nosso fruto proibido?

Apoiados em pesquisas bibliográficas, iconográficas e sonoras, procuramos construir uma encenação partindo dessas imagens, mas que não busque nenhuma reconstrução histórica. Interessa-nos acompanhar as metamorfoses da idéia de Paraíso projetada pelo imaginário europeu na terra de Pindorama (Terra de Santa Cruz) e buscar a reverberação disso na construção de uma singularidade brasileira, acelerando no tempo, atravessando o movimento modernista (bradando tupi or not tupi!),  o tropicalismo ( aqui é o fim do mundo, de Torquatro Neto) até desembocarmos na complexidade atual da crise ambiental, da crise ética, neste cenário pré-apocalíptico de um mundo globalizado e bárbaro.

Revisitamos tais relatos não para recontar suas histórias, mas sim para desorganizá-los na procura de novas possibilidades, assim como o nativo do território descoberto que, com o seu entendimento das coisas, ameaçou desorganizar o progresso que ancorava em seu litoral.

FICHA TÉCNICA

Atuação: Alexandre Caetano, Eduardo Osorio, Gustavo Valezi e Moacir Ferraz
Direção: Verônica Fabrini
Direção Musical e trilha sonora: Silas Oliveira
Preparador Corporal: Rafael Barzagli Oliveira
Iluminação: Cláudia Echenique
Figurino: Guilherme Guedes
Projeto gráfico: Gustavo Valezi e Alexandre Caetano
Edição audiovisual: Gustavo Valezi
Técnico luz: Cláudia Echenique
Técnico som: Erico Daminelli
Produção: Cassiane Tomilhero, Carolina Delduque e Erika Cunha
Realização: Boa Companhia

A Dama e Os Vagabundos

A Dama e os Vagabundos é uma incursão bem humorada ao universo da relação homens x mulheres. A peça remete aos encontros e desencontros amorosos, evocando alguns dos truques e sortilégios que compõem as regras (ou a ausência delas) desse jogo que todos conhecemos, mas que ninguém pode definir, exatamente, como funciona.

Delicadezas e sarcasmos, segredos confidenciados e doses de crueldade, cantadas canastras, jogos de sedução, solidão e corações partidos, são alguns dos clichês das relações amorosas, revisitados ora com o bom e velho humor, ora com o velho e bom sentimento, sem perder de vista a profundidade do tema, mesmo quando abordado com leveza.

A dramaturgia foi construída por meio de uma colagem de canções, poemas e fragmentos de cenas teatrais que versam sobre o tema. Os textos utilizados são dos mais diferentes autores e épocas. É assim que a uma cena de Romeu e Julieta seguem-se mordazes citações de Nelson Rodrigues, e uma canção de Roy Orbinson arremata um poema de Maiakovski.

Entre umas e outras, entre lágrimas contidas e sonoras risadas, a Boa Companhia propõe um brinde à paixão, ao amor, que nos mantêm, homens e mulheres, vivos e inspirados.

A ENCENAÇÃO E O TRABALHO DO ATOR

A exploração do tema ‘masculino x feminino’ é uma constante no trabalho da Boa Companhia, uma vez que a interação desses ‘opostos complementares’ – motor fundamental de nossa existência – é fonte de inesgotáveis questionamentos e descobertas sobre a natureza humana, assunto que instiga as pesquisas da companhia no campo artístico.

Apoiada na riqueza dos textos utilizados, e seguindo o estilo que a companhia vem desenvolvendo ao longo de sua história, a encenação prescinde de grandes recursos de cenário, luz e figurino para privilegiar o trabalho dos atores. Para além do trabalho de representação propriamente dito, são os atores os responsáveis pela execução da trilha sonora realizada ao vivo, cantando de tocando temas do repertório pop, apoiados em uma sólida noção de ritmo e desenho coreográfico da cena, características fundamentais do trabalho da Boa Companhia.

FICHA TÉCNICA

Elenco
Alexandre Caetano
Daves Otani
Eduardo Osorio
Moacir Ferraz
Fabiana Fonseca

Dramaturgia e Adaptação: Moacir Ferraz
Arranjos: Boa Companhia
Fotos: Tika Tiritilli
Operação de Luz: Bruno Garcia
Design Gráfico: Alexandre Caetano
Concepção e Direção Geral: Moacir Ferraz e Verônica Fabrini

Realização: Associação Cultural Boa Companhia

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Esperando Godot

Todos os dias, num local à beira de uma estrada deserta, que não é possível descrever porque não se parece com coisa nenhuma, junto de uma árvore solitária – nua e esquelética hoje, no dia seguinte coberta de folhas – dois homens, Vladimir e Estragon, esperam Godot. Mas nada acontece, ninguém chega, ninguém parte. E Godot – o único protagonista-ausente da história do teatro – que não saberemos quem é ou o que significa, nunca virá. Para preencher sua desesperada expectativa, para iludir o tédio dos dias vazios e sempre iguais, Vladimir e Estragon falam um com o outro até a exaustão, mesmo sem terem nada que dizer: assim, ao menos dão-se a impressão de existirem.

Ao longo de dois dias (dois atos) recebem a companhia de Pozzo e Lucky, um patrão e seu respectivo escravo-carregador. No 1º ato Pozzo revela toda sua crueldade no trato com seu criado, e este por sua vez, desarticula o pensamento dos demais ao pronunciar um verborrágico monólogo. No 2º ato, opressor e oprimido fazem nova companhia à Vladimir e Estragon, a não ser por um detalhe: Pozzo está cego e Lucky mudo. Um 5º personagem aparece ao fim de cada dia: um mensageiro que traz um recado do tão esperado Godot. Recado dado, o que resta a Vladimir é a companhia de Estragon. Em suma, estão de mãos atadas, atrelados à Godot, ou como o próprio Beckett diria anos mais tarde: “…o que une Vladimir e Estragon é a amizade de duas mãos, não uma verdadeira amizade. Ocorre simplesmente que um dia eles foram unidos e como duas mãos, eles retornam sempre à mesma situação; como duas mãos eles não podem se separar um do outro a não ser até um certo limite e são assim, sem verdadeiramente se apartarem um do outro, inseparáveis.”

A ENCENAÇÃO E O TRABALHO DO ATOR

A espera e o jogo

Se a espera é certa, se as respostas não virão, o melhor mesmo é “jogar” a vida, mesmo que de vez em quando paremos para refletir a respeito das perguntas sem resposta e sentir o peso da existência.
Jogo e vida. Jogar a vida. Jogo da vida ou a vida como jogo? Se a espera por respostas é o sentido da vida, enquanto esperamos, “joguemos”. Ou, se o sentido da vida está no jogo e não na espera, enquanto jogamos, esperamos. Ou, talvez, o que seja melhor: as duas possibilidades ao mesmo tempo.
Em Esperando Godot perdemos a noção da distinção entre realidade ficcional e sua ficção. Por conotação, entre vida e jogo, entre realidade e representação. E é dessa falta de noção que surge com grande força a constatação maior da obra de Beckett: a vida é assim mesmo, o jogo é esse, então…

E esse “é assim mesmo” não tem aqui uma conotação niilista, como sempre se quis da obra beckettiana. É somente uma constatação tão violenta que se chega a pensar verdadeira e, por isso, quase paralisante. Mas, na verdade, ela guarda em si um componente criativo tão violento quanto a sua constatação: a criatividade dos personagens em encontrar e vivenciar “jogos”, para que o tempo passe e a espera não se torne insuportável, é infinita, e se repetirá para sempre, todo dia, todo amanhecer, por força ou não da vontade individual.

Beckett em sua obra nos diz, a todo momento, que o fim se aproxima, que a morte espreita, que o jogo irá acabar. Mas ao mesmo tempo cria belas jogadas, jogadas patéticas, jogadas engraçadas, jogadas líricas, fazendo com que os personagens caminhem em uma linha tênue sem saber ao certo se representam ou vivenciam suas experiências. Estagnação e mobilidade, paralisia e criatividade, outras dualidades, para além das intersecções, construídas tão bem em sua obra teatral. Beckett a constrói a partir dos duplos, das dualidades através de paradoxos. Como a vida.

Esperando Godot é um clássico contemporâneo. Obra semeadora de toda produção teatral beckettiana, mas que, além disso, nasceu sob o ponto de vista estrutural de sua dramaturgia, do encontro apurado entre estrutura clássica e modernidade, que somente os grandes autores conseguem mesclar. O “novo” levando em conta o passado para não se perder apenas em tendências, mas sim, a configurar-se como linguagem estruturada para estabelecer profundo diálogo com seus interlocutores.

Como Édipo Rei, Hamlet e Fausto sempre será necessária uma montagem de Esperando Godot. Obra que se impõe, ela virá a público de um jeito ou de outro. Nessa montagem optamos por inseri-la no edifício teatral convencional, para ali instalar um espaço de representação que contém um outro espaço de representação e assim por diante, nos infinitos quadriculados de Sergio Fingermann, onde trama e realidade se confundem a espera de uma nova escolha. Se o Homem está em jogo, diariamente é dada a ele a chance de uma nova jogada.

FICHA TÉCNICA

Tradução: Christine Rörhig
Direção: Marcelo Lazzaratto
Menssageiro: Fabiana Fonseca
Estragon: Daves Otani
Vladimir: Eduardo Osorio
Pozzo: Moacir Ferraz
Lucky: Alexandre Caetano
Técnico de Luz: Marcelo Luis Santos
Técnico de Som: Silas Oliveira

Realização: Associação Cultural Boa Companhia

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Espetáculo Primus

Baseado no conto “Comunicado a uma Academia”, de Franz Kafka, PRIMUS busca refletir sobre o gigantesco percurso da evolução humana. Conta a história de um macaco que para garantir seu lugar ao sol, aprende a ser homem e torna-se um pop star do show business.

Questões relativas à superioridade do humano frente à natureza, os limites entre natureza e cultura, entre necessidade e liberdade, são alguns dos questionamentos trazidos pelo conto. Fechando mais o foco, a solução encontrada pelo personagem – entrar para o teatro de variedades – apresenta-se como uma ironia. Ela traz à tona as contradições próprias da profissão: o ator como um “macaco amestrado”, como um objeto de curiosidade versus a inversão de poder quando se alcança a fama. Ou ainda, a dificuldade de manter-se crítico à nossa realidade e ao mesmo tempo viver da nossa arte. Primus é a tentativa de traduzir  para a cena essas inquietações, magistralmente exploradas por Kafka.

A encenação de Primus se insere no que tem sido chamado de teatro físico, uma vez que a aproximação do conto parte de uma perspectiva fortemente centrada no trabalho corporal. Há também o uso de recursos visuais de projeção de imagem (slides), do canto e da percussão ao vivo.

A base gestual tem como ponto de partida o estudo das estereotipias de primatas em cativeiro, por meio de observações no Zoológico e registros em vídeo; o trabalho vocal parte da linguagem não articulada, caminhando para a palavra, passando por canções do music-hall até chegar à alta codificação do canto lírico; e as imagens que compõem parte do cenário procuram captar as dissonâncias entre a harmonia do mundo natural versus a desarmonia do mundo civilizado. A percussão busca nos ritmos primitivos africanos e no trabalho de livre improvisação, construir climas sonoros que hora conduzem a cena, hora oferecem apenas uma sustentação rítmica para ela. A montagem busca no diálogo entre essas três linguagens transpor para a cena os temas que a Companhia considera fundamentais no conto de Kafka.

A ENCENAÇÃO E O TRABALHO DO ATOR

A encenação de PRIMUS inscreve-se no que tem sido chamado de teatro físico, uma vez que nossa aproximação do conto parte de uma perspectiva fortemente centrada no trabalho corporal. No entanto, lançamos mão também de recursos visuais de projeção de imagem (slides), do canto e da percussão ao vivo.

A base gestual tem como ponto de partida o estudo das estereotipias de primatas em cativeiro, através de  observações no Zoológico de São Paulo [1].

O trabalho vocal parte da linguagem não articulada, caminhando para a palavra, as canções do music-hall até a alta codificação do canto lírico.

As imagens (slides) que compõem parte do cenário procuram captar as dissonâncias entre a harmonia do mundo natural versus a desarmonia do mundo civilizado.

A percussão busca nos ritmos primitivos africanos e no trabalho de livre improvisação, a construção de climas sonoros que hora conduzem a cena, hora oferecem apenas uma sustentação rítmica para a cena.
Buscamos no diálogo entre essas três linguagens que tecem a estrutura narrativa do espetáculo, transpor para a cena os temas que consideramos fundamentais no conto de Kafka: os limites entre natureza e cultura, o animal e o humano, a tensão entre liberdade e a necessidade.

FICHA TÉCNICA

Elenco  Alex Caetano
Daves Otani
Eduardo Osorio
Moacir Ferraz

Direção Geral: Verônica Fabrini
Preparação Corporal: Clermont Pithan
Assessoria: Célia Froufe – Sapateado
Danças Brasileiras: Eloisa Domenicci
Improvisação: Isabelle Dufau
Técnicas Circenses: Luis Monteiro
Espacirco UNICAMP

Ritmos Africanos: Alex Caetano
Direção Musical: Max Costa
Slides: Coi e Eduardo Osorio
Figurino/Cenografia/Sonoplastia: Verônica Fabrini
Iluminação: Clermont Pithan e Daves Otani
Técnica de Palco (Som, Luz e Slides): Verônica Fabrini, Silas Oliveira, Marcelo Luis dos Santos
Consultoria em Primatologia: M. Isabel F. de Almeida
Cenotécnico: Erick Oliveira
Texto original: “Comunicado para uma Academia” de Franz Kafka
Adaptação: Verônica Fabrini e BOA COMPANHIA
Realização: Associação Cultural Boa Companhia

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